domingo, 19 de octubre de 2008

ANTONIO Y CLEOPATRA

Antonio y Cleopatra (Antony and Cleopatra) es una tragedia histórica en cinco actos de William Shakespeare, representada por primera vez en 1607 o 1608 y publicada en la edición conocida como First Folio, en 1623.

La mayor parte de los estudiosos creen que se escribió en 1606–07, sin embargo algunos investigadores argumentan que probablemente fue anterior, sobre 1603–04.

La obra, basada en la traducción que Thomas North hizo de la obra de Plutarco Vida de Marco Antonio, muestra la relación entre Cleopatra y Marco Antonio desde la época de la campaña parta hasta el suicidio de Cleopatra. El principal antagonista de Antonio y Cleopatra es Octavio César, compañero de triunvirato de Antonio y futuro primer emperador de Roma. La tragedia es una obra romana caracterizada por rápidos cambios panorámicos en localizaciones geográficas y en registros, alternando entre la sensual e imaginativa Alejandría y la más pragmática y austera Roma.

Muchos consideran que el papel de Cleopatra en esta obra es uno de los más complejos personajes femeninos en la obra de Shakespeare. Es frecuentemente vana e histriónica, haciendo que los lectores casi se burlen, pero al mismo tiempo, Shakespeare se esfuerza por investirla, a ella y a Antonio, con una trágica grandeza. Estos rasgos contradictorios han llevado a división de opiniones dentro de la crítica.

La fuente principal para el argumento de la obra es la "Vida de Marco Antonio", una de las Vidas paralelas de Plutarco, en la traducción al inglés publicada por Sir Thomas North en 1579. Muchas de las frases de la obra de Shakespeare repiten literalmente el texto de North, incluyen la famosa descripción que Enobarbo hace de la barcaza de Cleopatra, comenzando "La barcaza en la que ella se sentaba, como un trono bruñido / ardía sobre el agua". Sin embargo, Shakespeare añade también escenas, incluyendo muchas que retratan la vida cotidiana de Cleopatra, y el papel de Enobarbo está muy desarrollado. Los hechos históricos a veces se cambian, en la obra de Plutarco la derrota final de Antonio ocurrió muchas semanas después de la batalla de Accio y Octavia tuvo hijos con Antonio, y lo sobrevivió por varios años.

TEXTO

Antonio y Cleopatra fue registrado en el Stationers' Register (una forma primitiva de copyright para obras impresas) en mayo de 1608, pero no parece que realmente se imprimiera hasta la publicación del First Folio en 1623. El Folio es por lo tanto el único texto canónico que se conserva en la actualidad. Algunos estudiosos de Shakespeare especulan que deriva de la propia mano de Shakespeare, o "papeles defectuosos", pues contiene pequeños errores en dirección de escena que se piensa que son característicos del autor en el proceso de composición.

ESTRUCTURA

Las ediciones modernas dividen la obra en los convencionales cinco actos, pero como en la mayor parte de sus obras anteriores, Shakespeare no creó estas divisiones en actos. Su obra se articula en cuarenta "escenas" separadas, más de las que usó en cualquier otra obra. Incluso "escenas" puede ser término inapropiado, pues los cambios entre ellas son a menudo muy fluidos, casi como un montaje. Se necesitan tantas escenas porque la acción se mueve con frecuencia de Alejandría a Italia, Messina en Sicilia, Siria, Atenas y otras partes de Egipto y el Imperio romano. La obra contiene treinta y cuatro personajes hablados, bastante típico para una obra de Shakespeare de semejante escala épica.
SIPNOSIS
Marco Antonio – uno de los triunviros de Roma, junto a Octavio César y Lépido – ha abandonado sus deberes como soldado después de ser seducido por la reina de Egipto, Cleopatra. Ignora los problemas domésticos de Roma, incluyendo el hecho de que su esposa, Fulvia, se rebeló contra Octavio y luego murió.
Octavio llama a Antonio a Roma desde Alejandría para ayudarle a luchar contra Pompeyo (Sexto Pompeyo), Menecrates, y Menas, tres destacados piratas del mar Mediterráneo. En Alejandría Cleopatra ruega a Antonio que no se vaya, y aunque él repetidamente afirma su amor por ella, al final él se marcha.
De vuelta a Roma, Agripa sugiere que Antonio se case con Octavia, la hermana de Octavio César, para fortalecer el lazo entre los dos hombres. El teniente de Antonio, Enobarbo, sin embargo, sabe que Octavia nunca podrá satisfacerle después de Cleopatra. En un famoso pasaje, él describe los encantos de Cleopatra en términos paradójicos: "La edad no puede marchitarla, ni la costumbre hace rancia / Su infinita variedad: otras mujeres hartan / Los apetitos que ellas alimentan, pero ella provoca más hambre / Cuanto más satisface".
Un adivino advierte a Antonio que él perderá si alguna vez intenta combatir a Octavio.
En Egipto, Cleopatra conoce el matrimonio de Antonio, y se venga en el mensajero que le trae la noticia. Sólo se alegra cuando sus cortesanos le aseguran que Octavia es poco atractiva según los estándares isabelinos: baja, estrecha la frente, cara redonda y con mal pelo.
En una lucha, los triunviros parlamentan con Pompeyo, y le ofrecen una tregua. Él retendrá Sicilia y Cerdeña, pero debe ayudarles a "limpiar el mar de piratas" y enviarles tributos. Después de cierta duda, Pompeyo accede. Se lanzan a una celebración alcohólica en la galera de Pompeyo. Menas sugiere a Pompeyo que mate a los tres triunviros y se haga el gobernante de Roma, pero él lo rechaza, por considerarlo deshonroso. Más tarde, Octavio y Lépido rompen su tregua con Pompeyo y le hacen la guerra. Antonio no aprueba esto, y se enfurece.
Antonio regresa a Alejandría; él y Cleopatra se coronan como gobernantes de Egipto y el tercio oriental del Imperio romano (que era la parte de Antonio como triunviro). Acusa a Octavio de no darle la parte que le corresponde en las tierras de Pompeyo, y está enfadado porque Lépido, a quien Octavio ha aprisionado, ha quedado fuera del triunvirato. Octavio accede a la primera demanda, pero por lo demás están muy descontento con lo que Antonio ha hecho.
Antonio se prepara para enfrentarse a Octavio en batalla. Enobarbo insta a Antonio para que luche por tierra, dado que allí es más fuerte, y no por mar, pues la armada de Octavio es más ligera, más móvil y está mejor manejada. Antonio rechaza esta posibilidad, pues Octavio lo ha desafiado a combatir en el mar. Cleopatra le promete que su flota le ayudará. Sin embargo, en mitad de la batalla, Cleopatra huye con sus sesenta navíos, y Antonio la sigue, dejando que su ejército quede perdido. Avergonzado de lo que ha hecho por amor a Cleopatra, Antonio la reprocha que haya hecho de él un cobarde, pero también pone su amor por encima de todo, diciendo "Dame un beso; incluso esto me compensa".
Octavio envía un mensajero para pedir a Cleopatra que entregue a Antonio y se pase a su lado. Ella duda, y flirtea con el mensajero, cuando Antonio aparece y enfadado denuncia su comportamiento. Hace que azoten al mensajero. Con el tiempo, perdona a Cleopatra, y se compromete a luchar otra batalla por ella, esta vez en tierra.
La víspera de la batalla, los soldados de Antonio oyen extraños portentos, que interpretan en el sentido de que el dios Hércules ha abandonando a Antonio. El propio Enobarbo, teniente de Antonio desde hace mucho tiempo, lo abandona y se pasa al lado de Octavio. En lugar de confiscar los bienes de Enobarbo, Antonio ordena que se los lleven. Enobarbo queda tan abrumado por la generosidad de Antonio, y tan avergonzado de su propia deslealtad, que se muere con el corazón roto.
La batalla va bien para Antonio, hasta que Octavio la convierte en una batalla marítima. Nuevamente, Antonio pierde, pues su flota se rinde, y él acusa a Cleopatra: "Esta falsa egipcia me ha traicionado". Decide matarla por su traición. Cleopatra decide que la única manera de volver a lograr el amor de Antonio es enviarle un recado de que ella se ha suicidado, muriendo con su nombre en los labios. Ella se encierra en su monumento, y espera el regreso de Antonio.
El plan de Cleopatra fracasa: Antonio no se apresura, carcomido por el remordimiento, a ir a ver a su "muerta" Cleopatra, sino que decide que su propia vida ya no merece la pena. Pide a uno de sus ayudantes, Eros, que lo atraviese con una espada, pero Eros no soporta hacer eso, y se mata a si mismo. Antonio admira el coraje de Eros e intenta hacer lo mismo, pero sólo consigue herirse. Con gran dolor, sabe entonces que Cleopatra aún vive. Le llevan en parihuelas hasta ella, que está en su monumento, y muere en sus brazos.
Octavio intenta convencer a Cleopatra para que se rinda. Pero ella lo rechaza enojada, pues no imagina nada peor que ser llevada en triunfo en las calles de Roma, con fama de malvada durante los siglos venideros. Se imagina que "los rápidos comediantes / Extemporáneamente nos representarán, y presentarán / Nuestros entretenimientos alejandrinos: Antonio / Será representado borracho, y yo veré / A algún chillón joven hacer de la grandeza de Cleopatra / la postura de una prostituta." Este discurso está lleno de ironía dramática, porque en tiempos de Shakespeare Cleopatra realmente era interpretada por un "joven chillón", y la obra de Shakespeare representa los entretenimientos borrachos de Antonio.
Cleopatra decide suicidarse, usando el veneno de un áspid. Muere serenamente y en éxtasis, imaginándose cómo se encontrará de nuevo con Antonio después de la muerte. Sus doncellas, Iras y Charmian, también se suicidan. Octavio descubre los cuerpos muertos y experimenta emociones encontradas. Las muertes de Antonio y Cleopatra le dejan el camino libre para ser el primer emperador romano, pero también siente cierta simpatía hacia ellos: "Ella será enterrada junto a su Antonio. / Ninguna tumba sobre la tierra tendrá dentro de sí / Una pareja tan famosa". Ordena un funeral militar público.
  • Antonio, triunviro
  • César Octavio, triunviro
  • Lépido, triunviro
  • Sexto Pompeyo
  • Domizio Enobarbo, amigo de Antonio
  • Ventidio, amigo de Antonio
  • Eros, amigo de Antonio
  • Scaro, amigo de Antonio
  • Dercete, amigo de Antonio
  • Demetrio, amigo de Antonio
  • Filone, amigo de Antonio
  • Mecenate, amigo de César Octavio
  • Agripa, amigo de César Octavio
  • Dolabella, amigo de César Octavio
  • Proculeyo, amigo de César Octavio
  • Tireo, amigo de César Octavio
  • Gallo, amigo de César Octavio
  • Menas, amigo de Sexto Pompeyo
  • Menecrate, amigo de Sexto Pompeyo
  • Varrio, amigo de Sexto Pompeyo
  • Tauro, lugarteniente de César Octavio
  • Canidio, lugarteniente de Antonio
  • Silio, oficial del ejército de Ventidio
  • Eufronio, embajador de Antonio y César Octavio
  • Alessa, en el séquito de Cleopatra
  • Mardiano, eunuco
  • Seleuco, tesorero
  • Diomede, en el séquito de Cleopatra
  • Cleopatra, reina de Egipto
  • Octavia, hermana de César Octavio y esposa de Antonio
  • Charmian e Iras, doncellas de Cleopatra
  • Un adivino
  • Un campesino
  • Oficiales, Soldados, Mensajeros

VALORACIÓN DE LA CRÍTICA
Los estudiosos de la obra intentan llegar a conclusiones sobre la naturaleza ambivalente de muchos de los personajes. ¿Son Antonio y Cleopatra verdaderos héroes trágicos, o se dejan llevar tanto por sus defecos y son tan risibles que no pueden ser trágicos? ¿Es la suya una relación amorosa o se trata sólo de lujuria? ¿Es su pasión completamente destructiva, o muestra también elementos de trascendencia? ¿Cleopatra se suicida por amor a Antonio o porque ha perdido el poder político?
El César Octavio es otro personaje ambivalente, que puede verse como un gobernante bueno y noble, que sólo desea lo que correcto para Roma, o como un político cruel y despiadado.

domingo, 5 de octubre de 2008

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LA FIERECILLA DOMADA

La fierecilla domada, también conocida como La doma de la bravía (en inglés, The Taming of the Shrew) es una de las obras más populares de William Shakespeare tanto dentro como fuera de su país, como lo demuestra por ejemplo el hecho de que sea la quinta más veces traducida al español de entre las treinta y siete que se conservan de su autor, únicamente precedida por Romeo y Julieta, Hamlet, Macbeth y El rey Lear, y por delante de obras de la altura y la popularidad de El sueño de una noche de verano, Julio César o incluso Otelo, el moro de Venecia.

PERSONAJES PRINCIPALES

  • Bautista. Padre de Catalina y Blanca. Es un noble de Padua con bastante dinero.
  • Catalina. Hija mayor de Bautista. Es guapa, muy inteligente y tiene mucho carácter. Siente devoción por fastidiar a los demás. Es un personaje que evoluciona de una forma exagerada, un cambio demasiado radical y en muy poco tiempo, como para que se le considere un personaje redondo. Es un personaje estereotipado, que tiene como función poner en relieve lo que quiere expresar el autor.
  • Blanca. Hija menor de Bautista (y la favorita). Ella es guapísima, dulce y tiene compostura. Es pretendida por Lucencio, Hortensio y Gremio, y es el personaje central de la acción secundaria.
  • Lucencio. Joven de Pisa que va a Padua a ampliar sus estudios cuando ve a Blanca y se enamora. Intentará enamorarla (no comprarla) y lo conseguirá. Para poder entrar a en casa se hará pasar por profesor de latín.
  • Gremio. Personaje mayor y secundario. Posee una pequeña fortuna. Da juego a la acción secundaria.
  • Hortensio. Amigo de Petrucho. Es el último pretendiente de Blanca y este también se hace pasar por maestro, de música en este caso. Al final acaba casándose con una viuda.
  • Petrucho. Es el pretendiente de Catalina. Viene de Verona, donde acaba de morir su padre, quien le ha dejado una pequeña herencia y llega a Padua con la intención de ganar dinero. Personaje de carácter fuerte, es inteligente y muy bruto. Según lo que dicen, es el profesor de la escuela donde se doman furias.
  • Tranio, Biondelo. Criados de Lucencio. Para que éste pueda entra en casa de Baustista se cambian de papel: Tranio pasará a ser Lucencio y Biondelo, Tranio.
  • Vicencio. Padre de Lucencio. Es un hombre rico, que quiere mucho a su hijo.
  • Grumio, Curtis. Son los criados de Petrucho. No demuestran mucha estima por su señor pero hacen todo lo que les dice. También colaborar en el maltrato psicológico de Catalina.
SIPNOSIS
La obra se basa, en principio, en el carácter díscolo y malhumorado de Catalina Minola, mujer que ahuyenta, no pocas veces, a golpes a cuantos pretendientes se interesan por ella ante su padre. El asunto no tendría mayor transcendencia si no fuese porque, según la costumbre, el padre de Catalina, el rico mercader Bautista Minola, se niega a entregar en matrimonio a su hija menor, Blanca, hasta que no haya casado a la mayor; para desconsuelo de los ambiciosos aspirantes a su mano, Hortensio, Gremio y Lucencio. La llegada a la ciudad de Petruchio, un joven ambicioso y despreocupado y su disposición a cortejar a la áspera Catalina proporcionan a los pretendientes de Blanca una esperanza para la que unen sus esfuerzos a los del ya casi desesperado Bautista. Este planteamiento inicial se desarrolla en forma de diversas situaciones de enredo y abundantes diálogos ocurrentes en los que el ingenio verbal se convierte sin duda en la más contundente de las armas, destacando sin duda el doble banquete nupcial con que concluye la obra y que constituye todo un giro inesperado a la situación de partida.

PUESTA EN ESCENA

Aunque desde el punto de vista escénico esta obra, al igual que la mayoría de las de Shakespeare, no plantea excesivas dificultades, uno de los aspectos técnicos más destacados en ella es, sin lugar a dudas, su planteamiento inicial, pues La fierecilla domada no es sino una obra dentro de otra obra (en inglés, una play-within-the-play). Y es que la obra principal se presenta al público en realidad como una obra con la que un señor y sus criados agasajan a su supuesto gran señor, que no es en realidad sino un pobre borracho al que han recogido de la calle y a cuya costa han decidido divertirse durante un tiempo. Este recurso técnico proporciona a la obra gran dimensión metateatral y un indudable doble distanciamiento del público.

ORIGEN DE LA OBRA

Mucho se ha escrito acerca del origen del argumento de la obra, aunque lo único en lo que la crítica autorizada parece estar de acuerdo es en el hecho de que el argumento principal no es original de Shakespeare. Lo cierto es que el esquema argumental básico de la obra se repite, con muy pequeñas variaciones, en multitud de textos de tradición oral o escrita diseminados por toda Europa, por Asia e incluso en la América precolombina. Uno de los más conocidos de entre esos textos es el cuento "Lo que sucedió a un mancebo que casó con una muchacha muy rebelde", número treinta y cinco de entre los incluidos en el famoso El conde Lucanor, de don Juan Manuel. No obstante, entre todos esos relatos y el texto de Shakespeare existen diferencias fundamentales, y no sólo en lo que concierne a su desenlace, que inducen a pensar que, si bien es muy probable que el dramaturgo isabelino conociera el argumento a partir de esa tradición, no se inspiró en ninguno de esos textos en concreto a la hora de componer su obra. Por lo demás, llama la atención el hecho de que, si bien los textos cuyo argumento se basa en la doma de una mujer bravía por parte de su marido son abundantes en la literatura europea previa a la publicación de La fierecilla domada (hacia 1590-1593), con la aparición de la obra de Shakespeare no se vuelve a publicar ninguna obra nueva en que éste sea el principal asunto de su argumento, de modo muy similar a como ocurrió con las novelas de caballería y el Don Quijote de Miguel de Cervantes.

domingo, 14 de septiembre de 2008

ENRIQUE V

Enrique V (en inglés Henry V, también conocida como The Cronicle History of Henry the fifth) es un drama escrito por William Shakespeare. Se cree que fue escrita durante los primeros meses de 1599, basándose en una alusión aparentemente positiva a la fallida misión de Robert Devereux, conde de Essex, para sofocar la rebelión de Tyrone.

En 1600 se publicó una primera edición in-quarto, muy defectuosa. El texto incluido en las "completas" - el Folio- de 1623 (F1) es muy bueno; seguramente procede del manuscrito que el autor entregó a los actores.

Es la obra final de una tetralogía (llamada la "tetralogía Lancaster"): viene precedida por Ricardo II, Enrique IV, parte 1 y Enrique IV, parte 2. Por lo tanto, el público estaba ya familiarizado con Enrique, el personaje principal, que da título a la obra, pues fue representado en el Enrique IV como un tipo salvaje e indisciplinado conocido como "Príncipe Hal." En Enrique V, el joven príncipe ha madurado y se embarca en la conquista de Francia. La obra se centra en los acontecimientos ocurridos inmediatamente antes y después de la Batalla de Azincourt, durante la Guerra de los Cien Años.

REPRESENTACIÓN Y PUBLICACIÓN

Una tradición, imposible de verificar, sostiene que Enrique V fue la primera obra interpretada en el nuevo teatro The Globe (El Globo) en la primavera de 1599; El Globo sería la "O de madera" mencionada en el Prólogo. En 1600 el primer texto impreso afirma que la obra se había interpretado "varias veces". La primera representación acreditada, sin embargo, es la del 7 de enero de 1605, en la corte. Con esta obra Shakespeare puso punto final a sus dramas históricos, salvo el dudoso Enrique VIII.

Enrique V se anotó en la Stationers Company (una especie de registro de copyright) el 14 de agosto de 1600 por obra del librero Thomas Pavier; la primera edición in-quarto fue publicada antes del final de año —aunque por Thomas Millington y John Busby; no por Pavier. La impresión fue hecha por Thomas Creede. Esta primera edición (Q1), es un "mal quarto", una versión acortada y mal transcrita, quizá una copia "pirata". Le siguieron otras ediciones in-quarto igualmente defectuosas: Q2 en 1602, reedición del anterior; Q3 en 1619, con una fecha falsa de 1608—parte del Falso Folio de William Jaggard.

El primer texto de calidad es The life of Henry the Fifth, del First Folio de 1623. Tiene gran calidad y se sospecha que pueda proceder directamente de un manuscrito del autor. Contiene el texto completo, más del doble en extensión que el Q1. La actual división de 5 actos procede de los editores del siglo XVIII, respondiendo más bien a los requerimientos de un teatro cerrado, frente al isabelino, que era abierto por tres lados.

Samuel Pepys vio un Enrique V en 1664—pero lo escribió Roger Boyle, primer conde de Orrery, no Shakespeare. La obra de Shakespeare regresó a los escenarios en 1723, en una adaptación de Aaron Hill.

En varios lugares, la obra contiene referencias a la historia romana. Muy próxima en el tiempo estaba Julio César (1599). Incluso hay frases muy parecidas. Así, el famoso discurso de Marco Antonio ante el cadáver de César:

"Amigos, romanos, compatriotas" (Acto III, 2, 75)
se convierte en el prólogo al acto 4 de Enrique V en
"compatriotas, hermanos, amigos..."

EL CORO

El teatro isabelino no usaba decorados. Reconociendo la dificultad de representar grandes batallas y cambios de lugar en un escenario vacío, Shakespeare usa como narrador a un Coro (una referencia al coro griego pero interpretado por un solo actor), quien explica la historia al público y les anima a usar su imaginación.

Este Coro tiene gran importancia, dado que la obra abarca un tiempo y un espacio amplios. El Coro se presenta a sí mismo como cercano al público. Al final del primer prólogo, explica su función: "admitidme en esta historia a mí, el Coro, que, a modo de prólogo, solicito humildemente vuestra paciencia para que escuchéis con cortesía y juzguéis con benevolencia nuestra función".

En tiempos de Shakespeare quien recitaba el prólogo era un actor vestido de negro. En Enrique V es, después del rol titular, el personaje con el papel más amplio (223 versos). Se supone que en las primeras representaciones fue el propio Shakespeare quien lo asumió, pues al principio del epílogo dice "Hasta aquí, con tosca e incapaz pluma, / nuestro autor que hace una reverencia (our bending author) ha seguido la historia".

domingo, 7 de septiembre de 2008

EL MERCADER DE VENECIA

El mercader de Venecia, escrito por Shakespeare entre los años 1594 y 1597 no sería publicada hasta 1600. Su principal fuente es la Primera Historia del cuarto día en Il Pecorone, una colección de historias de Giovanni Fiorentino. Otras fuentes son el Zelanto, de Munday, y las Gesta Romanorum.


RESUMEN

Basanio, un noble pero pobre veneciano, le pide a su amigo Antonio, un rico comerciante, que le preste 3.000 ducados que le permitan cortejar a la rica heredera Portia. Antonio, que tiene todo su dinero empleado en sus barcos en el extranjero, decide pedirle prestada la suma a Shylock, un judío usurero. Shylock acepta dejar el dinero con la condición de que, si la suma no es devuelta en la fecha fijada, Antonio tendrá que dar una libra de su propia carne mas próxima al corazón. Por voluntad de su padre, Porcia se va a casar con aquél pretendiente que, entre tres cofres (uno de oro, otro de plata y otro de plomo), escoja aquél que contiene su retrato. Bassanio elige el acertado, que es el de plomo y se compromete con Portia. Ella, le da una alianza como muestra de amor, que Basanio no deberá dejar nunca. Lo mismo que hace Nerissa (la criada de Portia)con Graciano (un amigo de Basanio).


Llegan noticias de que los barcos de Antonio han naufragado y de que la deuda no ha sido pagada, con lo que Shylock reclama su libra de carne. Tal situación desemboca en un juicio presidido por el Duque de Venecia y al que asiste Portia disfrazada de abogado y su criada Nerissa de ayudanta, dispuestas a defender a Antonio.


Tras mucho discutir, Portia da la razón a Shylock y admite que éste, por ley puede cobrarse la libra de carne. La dificultad está en que sólo puede ser carne y que no se puede derramar ni una sola gota de sangre. Después, Shylock es desenmascarado como conspirador y el Gran Duque le perdona la vida, pero le da la mitad de sus riquezas a Antonio y la otra mitad al Estado. Antonio le perdona su parte si el judío se hace cristiano y da en herencia sus propiedades a su hija Jessica, que se ha casado con Lorenzo (un cristiano), motivo por el cual se ha ido lejos y ha sido desheredada y el duque le indica que por medio de una multa era exonerado de la mitad que le iba a pertenecer al Estado.Este abogado (Portia)junto a su ayudante (Nerissa) le piden como recompensa sus alianzas a Bassanio y a Graciano y ambos se la dan.Y cuando llegan a Belmont (casa de Porcia) los dos aparecen sin la alianza, pero al fin y al cabo ambas confiesan que fueron ellas las que ayudaron a Antonio.La obra termina con la llegada a puerto de los barcos de Antonio sanos y salvos.

domingo, 24 de agosto de 2008

EL REY LEAR

El Rey Lear (King Lear) es una de las principales tragedias de William Shakespeare, fue escrita en su segundo periodo. Comenzó su redacción en el año 1605 y fue representada por primera vez a fines del año siguiente. Su fuente principal es una obra anterior, King Leir (representada en 1594 e impresa en 1605), y ambas son deudoras de la fuente principal, la Historia Regum Britanniae escrita hacia 1135 por Godofredo de Monmouth, de raíz netamente céltica. Su tema principal es la ingratitud filial aunque también trata de la vejez y de la locura.

El texto ha sufrido diversas vicisitudes. Se ha criticado el que el autor no sea constante en el uso del yambo de cinco pies. Hay dos ediciones que pueden considerarse originales llamadas in Quarto (publicada en 1608) e in Folio (1623); también dos ediciones autorizadas o críticas la de New Arden Shakespeare y la de la New Penguin Shakespeare.

La introducción original dice así:

William Shakespeare, la auténtica crónica histórica compuesta por él sobre la vida y muerte del Rey Lear y sus tres hijas.

LA LEYENDA DEL REY LEAR

Lear era un legendario soberano de Bretaña, aunque resulta obvio que su historia es parte del patrimonio de diversas culturas. El Lear histórico habría vivido antes de la fundación de Roma, es decir en el siglo VIII a. C. Según la Historia regum Britanniae, Lear al llegar a la vejez decidió dividir su reino entre sus hijas y sus respectivos maridos aun cuando mantendría su autoridad real.

Cuando les pide que les declaren su afecto, Cordelia, la hija menor, disgustada por la desfachatez aduladora de las hermanas Gonerila y Regan, responde que su afecto es el que toda hija siente por su padre. Lear airado la deshereda mientras entrega a sus otras hijas la parte de Cordelia y a sus respectivos maridos el Duque de Albany y el de Cornualles.

Poco después el rey de Francia, que en aquel entonces correspondía a un tercio de la Galia, al saber de la extraordinaria belleza de Cordelia, se casa con ella renunciando a la dote y llevándosela consigo. Mucho tiempo después los dos duques se alzan contra el rey y lo deponen. Entonces Lear se traslada con su hija Cornelia, donde es acogido con afecto filial.

El rey de Francia reúne un ejército y conquista toda Bretaña, restaurando a Lear en el trono. Tres años después, al morir Lear y el rey de Francia, Cordelia queda como reina de Bretaña. Pasan otros cinco años de paz, cuando el hijo del duque de Albany y del de Cornualles se rebelan contra Cordelia y le hacen la guerra. Tras algunas batallas, la hacen prisionera y le despojan el reino. Cordelia se suicida en la cárcel.


TEXTO

El texto moderno de El rey Lear deriva de tres fuentes: dos ediciones in quarto (Q) publicadas en 1608 y 1619 y la primera versión in folio (F) de 1623. Hay diferencias significativas entre las dos versiones: la Q contiene 285 líneas de texto que no están en la F, mientras que F tiene 100 líneas que no aparecen en Q.

Los primeros editores, como Alexander Pope, eligieron combinar ambos textos, lo cual produjo una obra bastante larga si se compara con las demás que se realizaban en aquel tiempo. En 1931, Madeleine Doran sugirió que los dos textos provenían de fuentes distintas y que las diferencias entre ellos no debían ser subestimadas. Sin embargo, tal argumento no se trató detenidamente hasta los años setenta, cuando Michael Warren y Gary Taylor sostuvieron la tesis de que Q derivaba de los escritos originales de Shakespeare, mientras que F de una versión para representar preparada por Shakespeare o algún otro. Es decir, Q sería el original del autor y F un resumen para representar en el teatro.


PERSONAJES PRINCIPALES


  • Rey Lear, anciano rey de Bretaña, tiene tres hijas.
  • Goneril, primogénita del Rey Lear.
  • Regan, hija del Rey Lear.
  • Cordelia, hija menor del Rey Lear y su favorita.
  • Duque de Albany, esposo de Goneril.
  • Duque de Cornualles, esposo de Regania.
  • Rey de Francia, pretendiente primero y esposo después de Cordelia.
  • Duque de Borgoña, pretendiente de Cordelia.
  • Conde de Kent, servidor fiel del Rey Lear.
  • Conde de Gloucester, vasallo y servidor del Rey Lear y de Cornualles y su esposa Regan.
  • Edgar, hijo legítimo de Gloucester.
  • Edmundo, hijo bastardo de Gloucester.
  • Oswaldo, criado de Gonerila.
  • El bufón o El loco, payaso que entretiene a Lear, pero al mismo tiempo le hace ver la estupidez de sus actos.

SIPNOSIS

El Rey Lear, ya muy viejo, decide dejar la dirección de su reino a sus tres hijas, con el fin de poder vivir tranquilo sus últimos días; para ello las somete a prueba. Sin embargo, pronto se sentirá amenazado por ellas al verse absolutamente abandonado. Sólo algunos fieles al rey intentarán devolver el reino a su antiguo propietario.

La obra describe las consecuencias de la irresponsabilidad y los errores de juicio de Lear, dominador de la antigua Bretaña, y de su consejero, el duque de Gloucester. El trágico final llega como resultado de entregar el poder sus hijas malvadas por partes iguales y no a Cordelia, quien manifiesta un amor capaz de redimir el mal por el bien; sin embargo ella muere al final, brindando la idea de que el mal no se destruye a sí mismo; no obstante acaece el funesto destino de las hermanas de Cordelia y del oportunista hijo bastardo del conde de Gloucester.

RESUMEN

Según la edición de 1623 la obra se divide en cinco actos.

Lear es el viejo rey de Bretaña que, debido a su vejez, decide repartir su reino entre sus hijas Goneril, Regan, y Cordelia. Lo divide en partes de acuerdo con el amor que ellas le profesan. Gonerila y Regan dicen de su amor al padre lo que éste quiere oír, no lo que ellas sienten y cada una se lleva una parte del reino. Cordelia, la menor y aún soltera, aunque pretendida tanto por el duque de Borgoña como por el Rey de Francia, es parca en palabras pero llena de sentimientos nobles. El Rey Lear al creer que su discurso es pobre la repudia y deshereda, reparte su trozo de reino entre las otras dos hermanas y decide entregarla a cualquiera de los dos pretendientes que la quisiera, eso sí, sin dote. El duque de Borgoña abandona la empresa pero el Rey de Francia, aunque no gane más que a Cordelia, la toma por esposa. A su vez, el conde de Kent, que ha presenciado la escena, intercede por Cordelia a la que cree llena de sentimientos e injustamente tratada por su padre el rey. Esta acción le cuesta el destierro a Kent.

Lear se reserva para sí el título de Rey y cien hombres a su servicio. Alterna su estancia entre las casas de sus dos hijas cada mes.

Goneril es la primera en hospedar a su padre. Decide quitarlo de en medio ordenando a su servicio que no lo atiendan bien, despidiendo a 50 hombres del propio rey y tratándolo a su padre como a un viejo desmemoriado. El marido de Goneril, el duque de Albany, no aprueba la actitud de su mujer pero es un hombre sin carácter.

El Rey Lear abandona, maltratado, a Goneril y va en busca de su segunda hija, Regan y su esposo el duque de Cornwall que se encuentran alojados en el castillo del conde de Gloster. Allí el rey es igualmente maltratado por su hija Regan y el esposo de ésta, siendo obligado a vagar sin techo durante una tormenta mientras va creciendo en él la locura por haber perdido el amor de sus tres hijas. Finalmente consigue alojarse en una choza con su bufón, el duque de Kent, el cual tras su anterior destierro se había disfrazado de servidor del rey sin que fuese reconocido por nadie. Junto a ellos dormía también un vagabundo llamado Tom, quien es en realidad Edgar, hijo legítimo del Conde de Gloster a quien su hermano natural, Edmond, con la intención de poder heredar las posesiones de su padre, ha tendido una trampa y mandado matar. Por esta razón, Edgar se esconde de Edmond.

Al conde de Gloster por su parte, no le gustó que sus huéspedes y señores, Cornwall y Regan echaran al rey de su casa, por lo que confiesa a su hijo Edmond (al que cree ya su único hijo tras la supuesta traición de Edgar) que va a ayudar al Rey Lear y que el Rey de Francia ha entrado en tierras del reino con la intención de socorrer también al despojado Lear.

Cuando Gloster parte en busca del Rey Lear para pedirle que se reúna en Dover con el Rey de Francia, su bastardo Edmond confiesa todo a Cornwall y a su esposa Regan para poder él tomar todas las posesiones de su padre. A la vuelta, Gloster es sometido a interrogatorio por Cornwall y Regan y le arrancan un ojo. Acto seguido un caballero trata de defender a Gloster pero tras herir a Cornwall cae ante Regan y muere. Finalmente Gloster sin ojos es abandonado a su suerte, pero ya sabe de la traición de su bastardo Edmond y que Edgar nunca le traicionó, que fue todo un engaño de Edmond.

Al mismo tiempo, se fue extendiendo el rumor de que los duques de Albany y Cornwall no se soportaban y que estaban próximos a la guerra. Pero la muerte de Cornwall tras la herida producida por el sirviente que intentó salvar a Gloster de la mutilación de sus ojos deja viuda a Regan, que intentará ganarse para sí al nuevo Conde de Gloster, Edmond.

Ya en Dover, Gloster, Kent y Edgar se encuentran con Cordelia e intentar curar al rey. En ese momento Edgar mata a Oswaldo (criado de Goneril) que iba tras Gloster para darle cumplida muerte, bajo órdenes de Regan, y evitar así que la triste imagen de Gloster ayudara a poner al pueblo al lado de su causa. A su muerte descubren que Oswaldo traía una carta de Goneril a Edmond donde le insta a matar a su marido el Duque de Albany y a hacer de ella su esposa. Ante esta situación, Edmond, que desconoce la carta pero sabe de los sentimientos de Goneril y Regan, decide jugar a dos bandas con las hijas mayores de Lear.

Finalmente se produce la batalla, por un lado Cordelia y Lear con el ejército francés y por otro Edmond y Albany (éste último cree en Lear y Cordelia, pero cree también que debe expulsar al ejército invasor). Lear y Cordelia caen prisioneros de Edmond quien ordena a un soldado que los lleve a prisión y allí los mate. Pero Albany, que poco antes había recibido de Edgar (aún disfrazado) la carta que extrajo de Oswaldo, donde Goneril instaba a Edmond a matarlo, acusa a éstos de traición y deshonor. Llama a todo aquel que pruebe su acusación y entra Edgar disfrazado para batirse con Edmond, que es vencido. Tras la revelación de la identidad de Edgar, decide confesar todo lo que sabía y Edgar también cuenta toda su desventura (la traición sufrida, el repudio de su padre...) y cómo su padre, el Conde de Gloster había muerto con la sonrisa en la boca cuando se le partió el corazón al saber que aquel que le había estado ayudando (tras la mutilación de sus ojos) en sus últimas desgracias era su hijo Edgar.

Mientras esta situación se desarrollaba entró un soldado alertando a Albany de que su mujer Goneril había envenenado a su propia hermana (Regan) y que luego se había dado muerte ella misma con un puñal que clavó en su corazón. Tales tragedias ablandan más el corazón del moribundo Edmond que revoca la orden de asesinar a Lear y a Cordelia. Pero llegan tarde pues Cordelia ha sido ahorcada aunque el verdugo fue ajusticiado por Lear. Poco después, el mismo soldado que se había llevado a Edmond comunicó que éste falleció finalmente por las heridas recibidas durante su duelo con Edgar.

Finalmente Lear lleva el cadáver de Cordelia ante todos y se lamenta de todas sus penas y ante todos, muere.

Ante tragedia de tales magnitudes, Albany decreta luto y cede el reino a Kent y Edgar.

Es interesante destacar un importante paralelismo que realiza el autor a finales del libro. A medida que el desenlace de la obra se acerca, fuera se desata una gran tormenta. Y a medida que Lear va enloqueciendo y hace comentarios incoherentes, Shakespeare indica que se ha producido algún fenómenos como un rayo o un árbol que es arrancado de cuajo por el viento.

ADAPTACIONES

A partir de los años cincuenta, se han realizado diversas adaptaciones de El rey Lear. Se pueden considerar las siguientes:

  • La novela A Thousand Acres de Jane Smiley, ambientado en una fábrica de Iowa; busca explicar las razones del odio de las dos hermanas mayores en relación con su padre.
  • La obra de teatro, Lear de Edward Bond.
  • El drama de cuatro actos de Giuseppe Verdi (inconcluso 1850).

También las siguientes películas:

  • 1953 - King Lear dirigida por Andrew McCullough con Orson Welles como el rey Lear.
  • 1969 - King Lear dirigida por Grigori Kozintsev, con Jüri Järvet como el rey Lear.
  • 1971 - Rey Lear, dirigida por Peter Brook con Paul Scofield como el rey Lear. El guión fue reducido y rehecho en varias partes.
  • 1974 - King Lear, película para la televisión dirigida por Edwin Sherin.
  • 1982 - King Lear, película para la televisión dirigida por Jonathan Miller con Michael Hordern como el rey Lear.
  • 1984 - Rey Lear, dirigida por Michael Elliott con Laurence Olivier como el rey Lear.
  • 1985 - Ran dirigida por Akira Kurosawa.
  • 1987 - Rey Lear dirigida por Jean-Luc Godard, versión de la obra ambientada en un mundo postapocalíptico.
  • 1997 - King Lear, película para la televisión dirigida por Richard Eyre, con Sir Ian Holm.
  • 1999 - King Lear, digirida por Brian Blessed y él mismo actúa como rey Lear.
  • 2001 - My Kingdom con Richard Harris y Lynn Redgrave. Una versión moderna ambientada en una zona de miseria.
  • 2002 - King of Texas, una adaptación televisiva ambientada en Texas, dirigida por Uli Edel, con Patrick Stewart como John Lear.

domingo, 17 de agosto de 2008

CORIOLANO

Coriolano es una tragedia de William Shakespeare basada en la vida del legendario dirigente romano.
La tragedia gira alrededor de Cayo Marcio Coriolano, un brillante general romano que es desterrado de Roma y dirige un asalto a la ciudad. Sólo el ruego de su madre evita que arrase Roma. Un cambio de opinión que le conduce a la destrucción.
Es una de las últimas obras de Shakespeare. Apareció alrededor de 1607.
PERSONAJES
  • Cayo Marcio coriolano
  • Menenio Agripa. Amigo de Coriolano
  • Cominio. General romano
  • Tito Larcio. General romano
  • Volumnia. Madre de Coriolano
  • Virgilia. Esposa de Coriolano
  • Joven Marcio. Hijo de Coriolano
  • Valeria. Amiga de Virgilia
  • Sicinio Veluto. Tribuno del pueblo
  • Junio Bruto. Tribuno del pueblo
  • Ciudadanos romanos
  • Senadores romanos
  • Patricios
  • Soldados del ejercito romano
  • Un teniente del ejercito romano
  • Un Heraldo romano
  • Oficiales del senado romano
  • Una dama
  • Tulo Aufidio. General del ejercito volsco
  • Su Lugarteniente
  • Conspiradores
  • Senadores Volscos
  • Soldados del ejercito volsco
  • Centinelas
  • Nicanor. Un romano
  • Adrián. Un volsco
  • Mensajeros
  • Ediles
  • Sirvientes

domingo, 13 de julio de 2008

JULIO CÉSAR


La tragedia de Julio César es una obra trágica escrita por William Shakespeare, probablemente en 1599. Recrea la conspiración en contra del dictador romano Julio César, su homicidio y sus secuelas. Constituye uno de las tantos trabajos shakespearianos basados en hechos históricos.
A diferencia de muchos personajes principales en otras obras del género (e.j. Hamlet, Enrique V), César no es el centro de la acción, apareciendo tan solo en tres escenas, y muriendo al comienzo del tercer acto. La figura más relevante de la historia es Bruto, y la trama gira en torno a la lucha psicológica entre las demandas en conflicto sobre el honor, el patriotismo y la amistad.
La obra se destaca por ser la primera de las cinco mejores tragedias escritas por el dramaturgo (las otras siendo Hamlet, Otelo, Rey Lear y Macbeth).
La gran mayoría de los críticos e historiadores de Shakespeare, concuerdan en que la obra refleja la ansiedad general de Inglaterra, a causa de los temores sobre la sucesión del liderazgo. En el momento de su creación y primera representación, la reina Isabel I, una fuerte monarca, se encontraba desgastada y se había negado a nombrar a un sucesor, llevando a entrever una posible guerra civil, similar a aquella que se levantó en Roma tras la muerte de su emperador.
ARGUMENTO
Marco Bruto es uno de los mejores amigos de Julio César, cuyos ancestros fueron aclamados por expulsar al tirano Tarquinio El Soberbio de Roma (descripto más tempranamente en La violación de Lucrecia). Bruto da paso libre para unirse a un grupo de senadores conspiradores, bajo la creciente sospecha de que el mandatario intentaba convertir a la república romana en una monarquía bajo su poder. Lecturas tradicionales de la obra, sostienen que Casio y los otros conspiradores son motivados por la envidia y la ambición, mientras que Bruto es incentivado por causas de honoríficas y de lealtad a la patria. Otros, como Isaac Asimov, sugieren que el texto muestra que Bruto no es menos movido por la envidia y la adulación que el resto. Uno de los pilares centrales de esta producción, es que sus personajes se resisten a ser categorizados como simples héroes o villanos.
Las primeras escenas tratan, principalmente, de las discusiones entre Bruto con Casio, y de la lucha con su propia conciencia. La marea creciente del apoyo público pone a Bruto en contra de César. Un adivino le advierte a este último que "se cuide de los males de marzo", lo que él ignora, terminando en su asesinato en el Capitolio, en manos de los conspiradores, ese mismo día.
La muerte de César es quizás la parte más famosa de la toda la obra. Dejando de lado los presagios del adivino, así como las premoniciones de su propia esposa, César es sorprendido en el senado por los conspiradores. Luego de intercambiar algunas palabras, Casca lo apuñala en la nuca, y los otros le secundan en la acción, terminando por Bruto. César dice en ese momento: Et tu, Bruté?, lo cual se traduce en "¿Y tú, Bruto?" – ¿También tú, Bruto? –. Shakespeare adicionó: "Entonces caiga, César", ciertamente sugiriendo que aquél no quería sobrevivir a tal acto de traición. Los conspiradores, por su parte, alegan en su defensa, que el motivo que generó su proceder fue Roma y no sus propios intereses. Una vez muerto el líder, sin embargo, otro personaje aparece en primer plano como un devoto y mejor amigo de César, Marco Antonio, quien, al pronunciar un discurso sobre el cadáver—el más-citado Amigos, romanos, compatriotas, prestadme vuestros oídos...—hábilmente vuelve a la opinión pública en contra de los homicidas, al hablar en un tono más personal sobre su posición, más que la táctica racional que Bruto emplea en sus parlamentos. Marco Antonio despierta a la multitud para expulsar de Roma a los traidores.
El comienzo del cuarto acto se encuentra señalado por una riña, en la que Bruto ataca a Casio por ensuciar el noble suceso del regicidio, aceptando sobornos ("¿No sangró el noble Julio por una causa justa? / ¿Qué villano tocó su cuerpo, que lo apuñaló, / y no por la justicia?", IV.iii). Los dos se reconcilian, pero ni bien se preparan para la guerra con Marco Antonio y el sobrino nieto de César, Octavio (en la obra: Octavius), el fantasma del asesinado se le aparece a Bruto con un advertencia de derrota ("vos debes verme en el Philippi", IV.iii). Las cosas empeoran para los conspiradores durante la batalla; tanto Bruto como Casio prefieren suicidarse antes que ser capturados.
La representación termina con un homenaje a Bruto, que sería recordado como "el más noble de todos los romanos" (V.v) e insinúa la fricción entre Marco Antonio y Octavio, que caracterizará a otra de las obras romanas de Shakespeare: Antonio y Cleopatra.
TEXTO DE LA OBRA
Julio César (título original de la obra en latín Julius Caesar) fue publicada por primera vez en el First Folio (1623) de Heminges y Condell. El texto es destacado por su calidad y consistencia, generalmente llevando a los académicos a pensar que fue creado a partir de apuntes teatrales. Su fuente más conocida es la traducción de la Vida de Bruto– escrita originalmente por Plutarco–, llevada a cabo por Thomas North. Otro material de consulta pudo haber sido la Vida de César.
DRAMATIS PERSONAE
  • Julio César
  • Octavio César, Marco Antonio, M. Aemilius Lepidus (Triumvirs tras la muerte de Julio César)
  • Cicerón, Publius, Popilius Lena – Senadores
  • Marco Bruto, Casio, Casca, Trebonius, Ligarius, Decius Brutus, Tillius Cimber, Cinna – Conspiradores contra Julio César
  • Flavius y Marullus –Tribunales
  • Artemidorus – un sofista de Cnidos
  • Un adivino
  • Cinna – una poetisa
  • Otro poeta
  • Lucilius, Titinius, Messala, joven Cato, Volumnius, – amigos de Bruto y Casio
  • Varro, Clitus, Claudius, Strato, Lucius, Dardanius – Sirvientes de Bruto
  • Pindarus – Sirviente de Casio
  • Calpurnia– esposa de César
  • Portia– esposa de Bruto
REPRESENTACIÓN CINEMATOGRÁFICA
  • Julio César (1950), con Harold Tasker como Julio César
  • Julio César (1953), con Marlon Brando en el papel de Antonio
  • Julio César (1970), con Charlton Heston como Antonio
  • Blackadder el Tercero (la obra de "Julio César" es vista por Blackadder y el príncipe regente), (1985)

GRANDES PUESTAS EN ESCENA

  • 1599: Un viajero suizo en Londres, Thomas Platter, registró el haber visto una representación de la obra Julio César, el 21 de septiembre - quizás la que fuera la producción original de Shakespeare. También describió a los actores brincando y bailando al final de la obra, una convención del teatro isabelino.
  • 1926: Por lejos la más elaborada representación de la obra fue interpretada caritativamente para el Fondo de Actores de América, en Hollywood. Se presentó al emperador romano montado sobre cuatro caballos blancos, y unos efectos especiales que trabajaban como parte de la coreografía. El evento fue intencionado para la creación laboral, en ayuda a los actores desempleados: trecientos gladiadores aparecieron en la pista de la escena, sin ser caracterizados como en la obra del dramaturgo; un número similar de chicas bailaron como cautivas de César, y un total de tres mil soldados formaron parte en las secuencias de batalla.
  • 1937: La famosa producción de Orson Welles en el Mercury Theatre, dio de que hablar, debido a que el director vistió a sus protagonistas con uniformes que recordaban a los tiempos fascistas de Italia, y al nazismo alemán, además de establecer una analogía entre César y Benito Mussolini. Las opiniones varían dependiendo del valor de las producción resultante: algunos ven al crudo y despiadado guión de Welles (el tiempo al aire fue de unos 90 minutos, sin contar un intervalo, muchos personajes fueron eliminados, el diálogo fue recortado y prestado de otras obras teatrales, y los dos últimos actos fueron reducidos a una simple escena) como una forma moderna e innovadora de poner fin a muchos elementos irrelevantes de la historia de Shakespeare; otros pensaron que la versión de Welles había destrozado y lobotomizado a aquella de la tragedia del dramaturgo, quitándole su profundidad psicológica.

Muchos coincidieron en que la producción se ajustaba más a Welles de lo que pudo haber sido con Shakespeare. No obstante, las innovaciones de Welles han sido el punto de partida de muchas representaciones modernas subsecuentes, que han puesto de relieve la caída de César con el desavatar de numerosos gobiernos a lo largo del siglo XX.

PARODIAS

El dúo cómico canadiense Wayne y Shuster parodió a Julio César en su sketch de 1958, Enjuaga la sangre de mi toga. Flavius Maximus, el romano privado I, es contratado por Bruto para investigar la muerte de César. El procedimiento policíaco combina a Shakespeare, Dragnet, con zarzuelas cómicas, en una van primiere en el Ed Sullivan Show.

REFERENCIAS

  • Asimov's Guide to Shakespeare, vols I y II (1970), ISBN 0-517-26825-6, 1970
  • Asimov's Guide to Shakespeare, vols I y II (1970), ISBN 0-517-26825-6, 1970




domingo, 23 de marzo de 2008

MACBETH

Macbeth es una de las obras más populares de William Shakespeare. Es una tragedia en cinco actos, en prosa y en verso, que fue compuesta probablemente hacia 1606 y estrenada poco después. Fue publicada por primera vez recién en 1623, en la edición conocida como First Folio.


Macbeth es una tragedia acerca de la traición y la ambición desmedida. Está libremente basada en el relato de la vida de un personaje histórico, el rey Macbeth de Escocia. No hay seguridad absoluta de que la tragedia sea en su totalidad obra de Shakespeare, ya que algunos afirman que ciertos pasajes podrían ser adiciones posteriores del dramaturgo Thomas Middleton, cuya obra La bruja (The witch) tiene múltiples afinidades con Macbeth.


FUENTES


La obra está basada en la vida de un personaje histórico, Macbeth, que fue rey de los escoceses entre 1040 y 1057. La fuente principal de Shakespeare para esta tragedia fueron las Crónicas de Raphael Holinshed, obra de la que extrajo también los argumentos de sus obras históricas. Holinshed se basó a su vez en Historia Gentis Scotorum (Historia de los escoceses), obra escrita en latín por el autor escocés Hector Boece e impresa por primera vez en París en 1527. Para agradar a su mecenas, el rey Jacobo V de Escocia, Boece había oscurecido deliberadamente la figura de Macbeth, con el fin de exaltar a un hipotético antepasado del rey, Banquo.



CRONOLOGÍA

No existe acuerdo en cuanto a la fecha de composición de la obra. Según Henry N. Paul (The Royal Play of Macbeth) se escribió en 1606. Se basa para ello en un pasaje cómico de la obra (II, 3), intepretado como una alusión a la doctrina jesuítica de la equivocación (equivocation), que podría tener relación con el juicio que tuvo lugar en 1606 contra el jesuita Henry Garnet por su participación en la "Conspiración de la pólvora" de Guy Fawkes. Otros autores creen, sin embargo, que esta doctrina era ya conocida años antes, por lo cual éste no resulta un argumento definitivo para la fecha de la obra. También se ha utilizado como argumento para fechar la obra su posible relación con la entronización de Jacobo VI de Escocia y I de Inglaterra (se hace referencia en la obra a un imaginario antepasado suyo, Banquo), que tuvo lugar en 1603. No obstante, la fecha exacta de composición de la obra no puede determinarse con seguridad.



PERSONAJES


  • Duncan, Rey de Escocia. Basado en un personaje histórico, el rey de Alba Duncan I, muerto en 1040 a manos del Macbeth histórico. En la obra se destaca su benevolencia, para acentuar lo terrible del crimen de Macbeth: "Además, este Duncan ha usado de sus poderes con tal bondad, ha sido tan claro en su gran dignidad, que sus virtudes argüirán como ángeles de lengua de trompeta en contra de la profunda condenación de eliminarle" .

  • Malcolm y Donalbain, hijos de Duncan.

  • Macbeth, Thane de Glamis y primo del Rey.

  • Macduff, Thane de Fife.

  • Lady Macbeth, esposa de Macbeth.

  • Banquo, amigo de Macbeth y General en el ejército de Duncan.

  • Lennox, Ross, Mentieth, Angus y Caithness, nobles escoceses.

  • Fleance, hijo de Banquo.

  • Siward, conde de Northumberland, general de las fuerzas inglesas.


SIPNOSIS

ACTO I

La obra comienza con tres brujas, las tres "Hermanas Fatídicas", que se ponen de acuerdo acerca de su próximo encuentro con Macbeth. En la escena siguiente, Duncan, rey de Escocia, comenta con sus oficiales el aplastamiento de la invasión de Escocia por noruegos e irlandeses, acaudillados por el rebelde Macdonwald, en la cual Macbeth, thane (barón) de Glamis y primo del rey, ha tenido un importante papel. Duncan se propone darle en recompensa el título de thane de Cawdor.


Cuando Macbeth y su compañero Banquo cabalgan hacia Forres desde el campo de batalla, se encuentran con las brujas, quienes saludan a Macbeth, primero como thane de Glamis, luego como thane de Cawdor, y por último anunciándole que un día será rey. A Banquo le dicen que sus descendientes serán reyes. Cuando Macbeth pide a las brujas que le aclaren el sentido de las profecías, ellas desaparecen. Se presenta un enviado del rey, quien notifica a Macbeth la concesión real del título de thane de Cawdor. Viendo cumplida la profecía de las brujas, Macbeth comienza a ambicionar conseguir el trono. Macbeth escribe una carta a su esposa, en Inverness, explicando las profecías de las brujas. Lady Macbeth, al leer la carta, concibe el propósito de asesinar a Duncan para lograr que su marido llegue a ser rey. De improviso se presenta Macbeth en el castillo, así como la noticia de que Duncan va a pasar allí esa noche. Lady Macbeth le expone sus planes. Macbeth duda, pero su esposa lo azuza, estimulando su ambición. Finalmente, Macbeth consiente en consumar el crimen.


ACTO II


Al llegar la noche, Macbeth, instigado por su esposa, da muerte al rey cuando duerme en su aposento. Siente fuertes remordimientos, que Lady Macbeth se esfuerza por acallar. A la mañana siguiente se descubre el crimen. Macbeth culpa a los sirvientes de Duncan, a los que previamente ha asesinado, supuestamente en un arrebato de furia para vengar la muerte del rey. Los hijos de Duncan, Malcolm y Donalbain, que se encuentran también en el castillo, no creen la versión de Macbeth, pero disimulan para evitar ser también asesinados. Malcolm huye a Inglaterra, y Donalbain a Irlanda. Gracias a su parentesco con el rey fallecido y a la huida de los hijos de éste, Macbeth consigue ser proclamado rey de Escocia.


ACTO III


A pesar del éxito de sus propósitos, Macbeth continúa intranquilo a causa de la profecía que las brujas hicieron a Banquo, según la cual éste sería padre de reyes. Encarga a unos asesinos que acaben con su vida, y la de su hijo, Fleance, cuando lleguen al castillo para participar en un banquete al que Macbeth les ha invitado. Los asesinos matan a Banquo, pero Fleance consigue huir. En el banquete, poco después de que Macbeth sepa por uno de los asesinos lo ocurrido, se aparece el espectro de Banquo y se sienta en el sitio de Macbeth. Sólo Macbeth puede ver al fantasma, con el que dialoga, y en sus palabras se hace evidente su crimen.


ACTO IV


Macbeth regresa al lugar de su encuentro con las brujas. Inquieto, les pregunta por su futuro. Ellas conjuran a tres espíritus. El primero advierte a Macbeth que tenga cuidado con Macduff. El segundo dice que "ningún hombre nacido de mujer" podrá vencer a Macbeth, y el tercero hace una curiosa profecía: "Macbeth seguirá invicto y con ventura / si el gran bosque de Birnam no se mueve / y, subiendo, a luchar con él se atreve / en Dunsinane, allá en la misma altura". Estas profecías tranquilizan a Macbeth, pero no se queda satisfecho. Quiere saber también si los descendientes de Banquo llegarán a reinar, como las brujas profetizaron. En respuesta a su demanda, se aparecen los fantasmas de ocho reyes y el de Banquo, con un espejo en la mano, indicando así que ocho descendientes de Banquo serían reyes de Escocia. Un vasallo de Macbeth le notifica que Macduff ha desertado. En represalia, Macbeth decide atacar su castillo y acabar con la vida de toda su familia. La acción se traslada a Inglaterra, donde Macduff, ignorante todavía de la suerte que ha corrido su familia, se entrevista con Malcolm, hijo de Duncan, al que intenta convencer para que reclame el trono. Recibe la noticia de la muerte de su familia.


ACTO V


Lady Macbeth empieza a sufrir remordimientos: sonámbula, intenta lavar manchas de sangre imaginarias de sus manos.


Malcolm y Macduff, con la ayuda de Inglaterra, invaden Escocia. Macduff, Malcolm y el inglés Siward, conde de Northumberland, atacan el castillo de Dunsinane, con un ejército camuflado con ramas del bosque de Birnam (con lo que se cumple una de las profecías de las brujas: el bosque de Birnam se mueve y ataca Dunsinane). Macbeth recibe la noticia de que el bosque se mueve y de la muerte de su esposa (no se dice por qué causa, pero generalmente se supone que por suicidio). Tras pronunciar un monólogo nihilista, toma la determinación de combatir hasta el final. Tras matar al hijo de Siward, se enfrenta con Macduff. Se siente todavía seguro, a causa de la profecía de la bruja según la cual no podría ser muerto por ningún hombre nacido de mujer. Macduff, entonces, anuncia que nació por cesárea del cuerpo sin vida de su madre (muerta durante el parto) y técnicamente no es, por tanto, nacido de mujer. Demasiado tarde, Macbeth comprende que las profecías de las brujas han sido engañosas. Macduff mata a Macbeth. En la escena final, Malcolm es coronado rey de Escocia.



TEMAS Y MOTIVOS RECURRENTES


  • Ambición y traición. Macbeth puede verse como una advertencia acerca de los peligros que entraña la ambición, presentada como un poderoso agente corruptor. La ambición es el rasgo principal del carácter de Macbeth y de Lady Macbeth, y la causa de su ruina. El tema de la traición está estrechamente relacionado con el de la ambición. Aparece por primera vez cuando, a comienzos del acto II, Macbeth asesina a su rey, al que debe lealtad y que acaba además de recompensarle con un título; y se reitera cuando ordena matar a su amigo Banquo, en el acto III. Antes de eso, el tema de la traición había aparecido ya cuando, tras la profecía, Macbeth se convierte en thane de Cawdor gracias a la ejecución del thane anterior por traición.
  • Visiones. A lo largo de la obra, Macbeth y su esposa sufren varias visiones. En la escena primera del segundo acto, poco antes de asesinar a Duncan, Macbeth cree ver un puñal ensangrentado flotando ante sí. Más adelante, en la escena primera del quinto acto, Lady Macbeth, sonámbula, ve en sus manos manchas de sangre que no consigue lavar (imagen con la que se muestran sus remordimientos por su responsabilidad en el asesinato de Duncan). Una tercera visión (aunque no está claro si se trata de una alucinación de Macbeth, atormentado por su conciencia culpable, o de la aparición sobrenatural de un fantasma) es el espectro de Banquo que se presenta en el banquete (acto III, escena IV).


domingo, 9 de marzo de 2008

VENUS Y ADONIS

PUBLICACIÓN


Venus y Adonis se inscribió en el Stationers' Registro el 18 de abril de 1593, el poema apareció más tarde ese año en una edición en cuarto, impreso y publicado por Richard Field, Stratford-upon-Avon hombre y una estrecha contemporáneo de Shakespeare.
Campo puesto en libertad un segundo cuarto en 1594, y luego transferido su derecho de autor a John Harrison ( "el Viejo"), el stationer, que publicó la primera edición de La Violación de Lucrece, también en 1594.


Posteriores ediciones de Venus y Adonis fueron en formato octavo lugar de habitación; Harrison emitió la tercera edición (O1), probablemente en 1595, y el cuarto (O2) en 1596 (tanto de Harrison ediciones se imprimieron por campo). The poem's copyright then passed to William Leake , who published two editions (O3, O4) in 1599 alone, with perhaps four (O5, O6, O7, and O8) in 1602.

El poema del derecho de autor pasa a William Leake, que publicaron dos ediciones (O3, O4), en 1599 solamente, con tal vez cuatro (O5, O6, O7, O8) en 1602.

El derecho de autor pasa a William Barrett en 1617; Barrett O9 emitida ese mismo año.
Cinco ediciones más apareció por 1640 - hacer que el poema, con 16 ediciones en 47 años, uno de los grandes éxitos populares de su época.
ANTECEDENTES HISTÓRICOS
En 1593, un brote de la peste en Londres causaron las autoridades de la ciudad para cerrar todos los teatros públicos. Shakespeare había escrito por esta vez quizás los primeros 5 o 6 de sus obras, y fue la construcción de una reputación. Él conjunto acerca de lo que iba a publicar como «la primera heire de mi invención '(es decir, la primera descendencia legítima de su' musa '), de dedicar a la labor de Henry Wriothesley, 3er Conde de Southampton.
En 1594 Shakespeare Lucrece dedicada a Southampton como el 'más grave del trabajo "prometido en su dedicación a Venus y Adonis. Southampton se encontraba en dificultades financieras, pero aún es posible que este patrón es bastante extravagante para recompensar estas ofertas irresistibles con una cantidad considerable de dinero. Shakespeare de algún adquirido suficiente capital para convertirse en una doceava parte partícipe de su compañía de teatro de los beneficios de rendimiento. Fue entonces aparentemente más lucrativo para él escribir largos poemas que desempeña.
ANTECEDENTES LITERARIOS
Venus y Adonis viene de Metamorfosis de Ovidio, Libro 10. Ovidio le dijo de la manera en la bella Venus tuvo su primer Adonis como mortal amante. Fueron compañeros durante mucho tiempo, con la diosa de la caza, junto con su amante. Ella le advierte de la historia de Atalanta e Hippomenes para disuadirlo de caza de animales peligrosos, que hace caso omiso de la advertencia, y es muerto por un jabalí.
Shakespeare desarrollado esta descripción en un poema de 1194 líneas. Su principal innovación es hacer Adonis Venus rechazar la oferta de la misma. Se ha argumentado (por Erwin Panofsky) que Shakespeare podría haber visto una copia de Tiziano 's' Venus y Adonis', una pintura que se podrían adoptar para mostrar Adonis negarse a participar en Venus abraza. But Shakespeare's plays already showed a liking for activist heroines, forced to woo and pursue an evasive male (see The Two Gentlemen of Verona ). Pero las obras de Shakespeare ya mostró un gusto por activista de heroínas, obligados a ganarse y seguir una evasiva masculino (ver Las Dos Caballeros de Verona). La otra innovación es una especie de celebración de la 'aristotélica' unidades: la acción tiene lugar en un solo lugar, dura desde la mañana hasta la mañana, y se centra en los dos personajes principales.
PARCELA
Venus entra en el poema «enfermos-thoughted 'con amor, polipastos y Adonis de la silla de montar de su caballo. A continuación, las copias besos con él, y los argumentos, pero nada se hace o dice lo que puede conmover el deseo sexual. Esto le repudia. En el punto medio de la poesía, Adonis ha anunciado su intención de proceder a la caza de jabalí a la mañana siguiente. Venus trata de disuadirlo, y le encontramos a cazar presas más tímido. Esto hace caso omiso de él, y rompe con ella. Pasa el resto de la noche en lamentaciones, en la madrugada, se oye el sonido de la caza. Lleno de temor, corre hacia el ruido, a sabiendas de que, como el sonido procede de un solo lugar, los cazadores se enfrentan a un animal que no está en funcionamiento inmediatamente.
Ella entra en el cuerpo de Adonis, fatalmente gored por los colmillos del jabalí. En su horror y la tristeza, la Diosa del Amor pronuncia una maldición sobre el amor: que siempre van a terminar mal, y los amantes de las mejores (como ella) sabe más dolor. Esta maldición se ofrece una etiología, un mito de la causalidad, que explica por qué el amor es inseparable de dolor (esta es una característica de la forma).
Shakespeare el poema es visto como un 'epyllion', el menor épica de amor sexual. Thomas Lodge había inaugurado el género en su 'Glaucus y Scilla' (1589). El principal rival fue Marlowe's Hero y Leander inconclusa. Ese poema, y Shakespeare, pasó de ser reeditado a través de la primera mitad del siglo 17. Los problemas de propiedad que sobre el texto, probablemente evitó su publicación en el 1623 Folio de las obras de Shakespeare.
Venus y Adonis está escrito en una manera inteligente incesantemente. Venus palabras de Adonis a partir de la línea 229 en adelante:
"Fondling", dice, "desde que tengo aquí te hemm'd
En el circuito de este marfil pálido,
¡Ya un parque, y serás mi ciervo;
Feed donde tú, en la montaña o en dale:
Pastar en los labios, y si esos cerros se seca,
Stray inferior, donde la agradable fuentes mentira ".
Interminablemente se hace referencia en el período. Son típicas de la poesía, en hacer que el lector tiene la indecente pensamientos, mientras que casi el resto de inocentes: "los cerros" muy fácilmente en el sentido de cesar su hinchazón labios, y se convierten en sus senos, de modo que la imaginación del lector se agota su cuerpo , Y el cierre de líneas de principio a pista en cunnilingus. A lo largo del poema, Shakespeare niega a su lector de la consumación sexual Adonis niega a Venus. El poema tenía una reputación como contemporáneo erotismo, pero funciona más como un ingenioso pornográfico frustración de la lectura.
En la línea 505, en vez de Shakespeare audazmente alude a los peligros de 1593. Venus coacciona a un beso de Adonis, y para celebrar su dulzura, dice Adonis de los labios:
"Long pueden besan, para este cura!
O, nunca dejar que sus carmesí liveries desgaste!
Y como último, el verdor en sus todavía soportar,
Para conducir la infección de la peligrosa año!
Que la estrella de gazers, después de haber escrito sobre la muerte,
Puede decir, la plaga es banish'd por tu aliento. "
En estas líneas, Adonis del dulce aliento actúa como el tipo de hierbas nosegays la gente utiliza para llevar, para tratar de mantenerse con la inhalación de la miasma que ellos pensaban propagación de la peste. Es posible que los contemporáneos habría percibido, en la lectura de las líneas acerca de la hermosa Adonis cuerpo despojado por el jabalí, que ha abierto su ingle rasgados, que el fin de la poesía les invitó a considerar la plaga de las víctimas. El buboes de peste bubónica formado en el cuello y la ingle, y la víctima murió cuando irrumpieron, agonisingly: el amor no puede salvar aún la más hermosa de una horrible muerte.